El matrimonio se trasladó al n.º 515 de la calle Bonngasse y dos años después, en 1769, nació su primer hijo, bautizado como Ludwig Maria van Beethoven. Sin embargo, apenas 6 días después de su bautizo, el niño falleció. El 17 de diciembre de 1770, fue bautizado su segundo hijo en la iglesia de San Remigio de Bonn, con el nombre de «Ludovicus van Beethoven», tal como se describe en el acta de bautismo. Su fecha de nacimiento, generalmente aceptada como el 16 de diciembre de 1770, no cuenta con documentación histórica que pueda respaldarla. María Magdalena tendrá aún cinco hijos más, de los que sólo sobrevivirán dos: Kaspar Anton Karl van Beethoven, bautizado el 8 de abril de 1774, y Nikolaus Johann van Beethoven, bautizado el 2 de octubre de 1776. Los biógrafos no tienen claras las fechas de nacimiento exactas de ninguno de los hijos de María Magdalena Keverich
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miércoles, 29 de diciembre de 2010
Emigrante
En marzo de 1733, el abuelo Ludwig emigró a Bonn en donde trabajó como director y maestro de capilla de la orquesta del príncipe elector de Colonia. El 17 de septiembre de ese mismo año contrajo matrimonio con Maria Josepha Phall, cuyos testigos fueron el organista van den Aeden y Johann Riechler. Su hijo y padre de Beethoven, Johann van Beethoven (1740 - 1792) era músico y tenor de la corte electoral. El 12 de noviembre de 1767 Johann se casó en la iglesia de San Remigio en Bonn con Maria Magdalena Keverich (19 de diciembre de 1746 - 1787), una joven viuda e hija de un cocinero de Tréveris. Por ese motivo, el matrimonio contó con la oposición de Ludwig, su padre, que por aquel entonces ya era el prestigioso maestro de capilla de la corte y consideraba a la joven de una clase social inferior a la de su hijo
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La familia de Ludwig van Beethoven
La familia de Ludwig van Beethoven, cuyos miembros contaban con una tradición musical naciente, vivía bajo condiciones modestas. Su abuelo paterno, llamado también Ludwig,[3] (Malinas, 1712 – 1773), era descendiente de una familia de campesinos y granjeros originarios de Brabante en la región de Flandes (Bélgica) que se trasladaron a Bonn en el siglo XVIII. La partícula van de su nombre, contrario a lo que pudiera creerse, no posee orígenes nobles, mientras que Beethoven probablemente pudo haberse derivado de Betuwe, una localidad de Lieja, aunque otra hipótesis apunta a que el apellido proviene de Beeth, que quiere decir remolacha y Hoven, que es el plural de Hof, que significa granja. Por ello, Beethoven quiere decir «granjas de remolachas»
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martes, 14 de diciembre de 2010
Pablo Hurtado
Pablo Hurtado
Graduado como productor e ingeniero de audio en la escuela de música Fermatta, Pablo nació en San Luis Potosí en el seno de una familia musical. Empezó con el piano a los 5 años. Su padre lo introdujo a la guitarra en la adolescencia y gracias a los Beatles, Brahms y Andrés Segovia conoció el amor por la calidad del sonido. Tuvo bandas de covers y tocó en teatro musical. A los 21 años, en condiciones difíciles, llegó al DF para estudiar su licenciatura, misma que terminó becado por su alto rendimiento. Con estas palabras define su rol dentro de Camila
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Graduado como productor e ingeniero de audio en la escuela de música Fermatta, Pablo nació en San Luis Potosí en el seno de una familia musical. Empezó con el piano a los 5 años. Su padre lo introdujo a la guitarra en la adolescencia y gracias a los Beatles, Brahms y Andrés Segovia conoció el amor por la calidad del sonido. Tuvo bandas de covers y tocó en teatro musical. A los 21 años, en condiciones difíciles, llegó al DF para estudiar su licenciatura, misma que terminó becado por su alto rendimiento. Con estas palabras define su rol dentro de Camila
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Samo
Samo
Corista en una iglesia desde que tenía cinco años de edad, Samo vio cómo cada domingo aquel espacio de Veracruz se transformaba en su propio Auditorio Nacional. Impulsado por sus padres y hermanos, más tarde quiso ser cantante de ópera y, finalmente, fue reconocido como una de las 100 mejores voces de México en un concurso de talentos. Así llegó al DF. Fue corista de artistas como Reyli, por quien conoció a Mario Domm. Hoy es una figura vocal y evoluciona como compositor.
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Corista en una iglesia desde que tenía cinco años de edad, Samo vio cómo cada domingo aquel espacio de Veracruz se transformaba en su propio Auditorio Nacional. Impulsado por sus padres y hermanos, más tarde quiso ser cantante de ópera y, finalmente, fue reconocido como una de las 100 mejores voces de México en un concurso de talentos. Así llegó al DF. Fue corista de artistas como Reyli, por quien conoció a Mario Domm. Hoy es una figura vocal y evoluciona como compositor.
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Con la filosofía de no abusar de los recursos tecnológicos
Con la filosofía de no abusar de los recursos tecnológicos en pos de que una canción se pare sola, y creyente de que ser un buen productor es reconocer la línea que delimita ambos mundos, Mario dice que "los protagonistas de los discos deben ser los compositores y cantantes, no los productores". Tal idea lo ha llevado a ganar los siguientes premios: Seis veces el premio SACM de Canción Más Sonada en la Radio por distintas composiciones escritas para Alejandra Guzmán, Kalimba y Camila. Dos premios Billboard. Tres premios Lo Nuestro. Cinco nominaciones al Grammy en cuatro categorías distintas (ingeniero, productor, compositor y músico). Cuatro Premios MTV. Cinco veces el premio ASCAP por Canción de Pop Latino Más Sonada en la Radio Estadounidense.
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lunes, 6 de diciembre de 2010
Mala pinta
Ambos hermanos, que recibían buenas retribuciones por su labor, también producían juntos y así crearon el tango Mala pinta y luego otros como Mi encanto, Pura labia, Don Antonio, A palada, Era buena la paisana, Percanta arrepentida, Bizcochito, Gringuita y La cañada.
Al regresar en 1919 comenzó Arolas una gira por la Provincia de Buenos Aires pero en medio de ella Julio De Caro y el pianista José María Rizzuti que había sustituido a Goyeneche tuvieron un desacuerdo económico con Arolas, se separaron del conjunto y regresaron a Buenos Aires. En esta ciudad de reunieron con el bandoneonista Pedro Maffia que por iguales motivos había dejado la orquesta de Roberto Firpo y con el violinista José Rosito y formaron un cuarteto que inició sus actuaciones en el café El Parque de Talcahuano y Lavalle.. En ese lugar Maffia estrenó su tango Pelele, Maffia y De Caro estrenaron Tiny y Rizzuti y De Caro estrenaron Pulgarín.
Abandono de estudios
Al no aceptar su padre que Julio abandonara sus estudios y se dedicara a la música popular, fue echado de su casa y Francisco siguió el mismo camino sin esperar que lo echaran. El conjunto de Arolas hacía exitosas presentaciones en cabarets y cafés céntricos y en la temporada de verano viajaron al Uruguay para actuar en los hoteles municipales de Montevideo culminando las actuaciones en el teatro Solís donde animaron los bailes de Carnaval. En esa ciudad Julio se reencontró con Francisco que había fijado residencia en ella y trabajaba como pianista en salas cinematográficas acompañando las películas mudas y también en cabarets.
Vocación tanguera
Esas dos semanas de actuación mostraron a Julio lo que seguramente ya vislumbraba, esto es su vocación tanguera, y lo decidieron a aceptar el pedido de Arolas y fue así que pocas semanas después quedaba estructurado un quinteto con Roberto Goyeneche al piano, Rafael Tuegols y De Caro en violín, y Manuel Pizarro y el mismo Arolas en bandoneón. Con este conjunto estrenó Julio Mon beguin, su primer tango.
sábado, 4 de diciembre de 2010
Giras
En 1937 realizó una extensa gira por América que incluyó México y New York. En esta última ciudad actuó en radio, grabó discos e intervino en el rodaje de la película Di que me quieres acompañada musicalmente por Terig Tucci. Se trataba de un filme dirigido por William Rowland que incluía la actuación de un grupo selecto de bailarines y cantantes típicos latinoamericanos. En 1940 filma Nativa, donde también canta e incursiona como actriz en un papel sin trascendencia
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En 1936
En 1936 fue contratada para actuar en radio con un sueldo de cinco mil pesos (un diputado nacional percibía tres mil pesos).[4] En marzo de ese año estalló un escándalo cuando se suicidó pegándose un tiro Rodolfo José María Caffaro, que se iniciaba como cantor con el seudónimo de Ricardo Colombres y mantenía sin ocultamientos una relación sentimental con Maizani. Se la acusaba de haberlo llevado a romper su matrimonio primero y al suicidio después. Maizani salió a responder públicamente (en esa época un escándalo de ese tipo podía frustrar la carrera de un artista) aclarando que su relación con Colombres era posterior a su separación y que el mismo había malversado sus cuantiosos ingresos aprovechando que había sido nombrado su apoderado, al punto que la cantante había quedado sin dinero alguno. Un mes después debutó en el teatro Liceo en la obra Boite rusa que representaba la compañía de Pierina Dealessi y José Olarra y los aplausos que recibió en el escenario demostraron que la adhesión del público seguía intacta.
El retorno
Al regresar a su país Azucena Maizani encontró que en esos dos años de ausencia habían surgido nuevas figuras femeninas de la canción nacidas, en muchos casos, de los frecuentes concursos que se organizaban, especialmente en las radios. Allí estaban Libertad Lamarque, Ada Falcón, Adhelma Falcón, Tania, Mercedes Simone y Dorita Davis. Rápidamente recuperó su popularidad y en 1933 actuó en Tango, el primer largometraje argentino con sonido óptico. En ella Maizani no tiene letra sino que mientras pasan los títulos se muestra su rostro mientras se escucha su voz entonando La canción de Buenos Aires y más adelante tiene una escena en la cual, vestida con su traje de compadre, canta Milonga sentimental.
En 1935 apareció en un cabaret en la película Monte criollo cantando el tango del mismo nombre cuya letra es de Homero Manzi y la música de Francisco Pracánico. Era un flojo relato policial dirigido por Arturo S. Mom e interpretado por Nedda Francy y Francisco Petrone.[3cursos de guitarra bogota
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miércoles, 24 de noviembre de 2010
The Black Eyed
The Black Eyed Peas consiguieron el galardón al mejor grupo; Taylor Swift y Brad Paisley se llevaron los de mejores artistas de country; Rihanna obtuvo el de mejor artista de soul/R&B, y Lady Antebellum hizo lo propio con el de mejor grupo de country.
Por último Muse se llevó el de mejor artista de rock alternativo y Michael Bublé el de artista adulto contemporáneo. Los ganadores fueron elegidos a través de votación por Internet.El tiempo
Bieber
Bieber, que recién el año pasado alcanzó su primer hit, venció a intérpretes veteranos como el rapero Eminem, quien obtuvo dos galardones: como mejor artista masculino rap/hip-hop y como mejor álbum por "Recovery".
Por su parte Usher consiguió las distinciones al mejor álbum de soul/R&B, por "Raymond vs. Raymond", y al mejor artista de R&B. Asimismo la colombiana Shakira se llevó el premio al artista favorito de música latina.El iempo
Bieber en los American Music Awards
El joven astro adolescente Justin Bieber fue elegido artista del año en la 38ª ceremonia de los American Music Awards en Los Angeles, la noche del domingo, mientras Lady Gaga fue distinguida como la mejor artista femenina pop/rock.
El canadiense Bieber, de 16 años, que era candidato en cinco categorías, también se llevó a casa los premios al mejor artista masculino pop/rock, al mejor álbum pop/rock y al artista de más avance del año.
"No puedo parar de sonreír, esto es genial", dijo Bieber. "Realmente no sé cómo es posible todo esto porque he estado cantando canciones de Eminem desde los tres años y Usher es mi mentor. Así que esto es algo grande", dijo en alusión a algunos de sus competidores.
sábado, 18 de septiembre de 2010
Romeras
Todos los palos del grupo de las cantiñas tienen su fuente en las Alegrías y, a través de ellas, en el folclore bajo-andaluz. Las romeras se consideran que se crearon como un cante personal del cantaor Romero el Tito, muy popular en los cafés cantantes del último tercio del siglo XIX, especialmente en Sevilla (fue de plantilla de "El Burrero" y del ""Café Silverio"). Fue un cantaor de estilo propio, inconfundible e inimitable, con una fuerte capacidad rítmica.[1] Estaba especializado en los cantes con baile y, según parece, adoptó una canción ligera, folclórica, propio de Sanlúcar de Barrameda, llamado el torrijos, que adaptó o recreó como estilo bailable y recibió su apellido por nombre.
Uno de los cantaores que con más asiduidad ha cantado las romeras, ha sido Antonio "El Chaqueta".
Polo (música)
En el ámbito de la música, polo es el nombre de dos estilos (sin relación entre sí), a saber:
En España, el polo es un palo del flamenco.[1]
En Venezuela, el polo es una forma musical típica de las regiones de la costa oriental. A menudo se lo conoce como «polo margariteño», por su importancia en la isla de Margarita; sin embargo, a lo largo de todo oriente se cantan polos. Como forma musical, se toca en un compás de tres cuartos o seis octavos (o ambos) a una velocidad moderada. La melodía evoluciona sobre una variación de cuatro acordes, y se cantan versos que varían dependiendo de la canción. Normalmente es tocada con cuatro y maracas, aunque no posee una instrumentación estricta y como toda música folclórica es adaptable a pequeños y grandes ensambles.
diferentes versiones de la penetera
Existen diferentes versiones de este cante, la antigua y la moderna y esta a su vez puede ser corta (chica) y larga (grande). La llamada petenera grande no es bailable a diferencia de la corta que si puede serlo acompañada por palmas.
A finales del siglo XIX el cantaor Medina el Viejo (José Rodríguez Concepción) dio a conocer su versión de la petenera. Esta fue adoptada por otro gran cantaor Antonio Chacón. De el pasó a la Niña de los Peines que realizó una versión propia enriquecida melodicamente muy repetida después por otros artistas como Pepe el de la Matrona.
La danza de la petenera fue muy popular a finales del siglo XIX, siendo enseñada en las escuelas de baile después de las seguidillas sevillanas.
Federico García Lorca le dedicó a este cante su poema Gráfico a la Petenera e incluso las interpretó al piano acompañando a La Argentinita en una historica grabación. El compositor Pablo Sarasate escribio una obra titulada Peteneras para violín y piano.
lunes, 2 de agosto de 2010
Tambores
Instrumentos membranófonos de percusión, de origen africano, que constan de una caja de resonancia, generalmente cilíndrica, aunque a veces algo cónica, y una o dos membranas o parches de cuero animal, que cubren la abertura de la caja.
Para producir el sonido el tambor es golpeado generalmente con la mano o algún objeto, comúnmente baquetas y también se suele percutir la caja. En los tambores se distinguen:
- El llamador, el tambor más pequeño de todos, también llamado macho, que marca la cadencia rítmica o compás, por lo cual es al único que no se permiten los llamados "revuelos" o "lujos" en su interpretación.
- El alegre o hembra, tambor que marca la melodía; "juguetea" con las notas de las melodías dictadas por los instrumentos líderes en este sentido y que se adorna con complejas y alegres improvisaciones sobre todo al final de la frase melódica, durante su ejecución.
- La tambora, tambor mayor en su tamaño y único con dos cueros, uno en cada boca de la caja de resonancia, en el cual recae toda la responsabilidad de la pronunciación del acento sonoro característico de los aires tradicionales en el acompañamiento de cada pieza musical. Proporciona adornos y el bajo. wikipedia
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Flauta e' millo o pito atravesao
Instrumento aerófono, al parecer de origen africano que reemplaza a las gaitas. Recibe otras denominaciones como flauta traversa de millo, carrizo, lata o bambú. Es un instrumento abierto en sus dos extremos, de unos 25 a 30 cm de largo y de 1,5 a 2 cm de diámetro, normalmente. Tiene cuatro orificios situados a unos 1 ó 1,5 cm entre sí y a unos 10 cm de la lengüeta, obtenida de la corteza de la caña y que forma la embocadura por la cual entra y sale el aire mediante emisión e inmisión del ejecutante, dotada de un hilo pisado a la lengüeta y sostenido por los dientes para modular el sonido y producir el efecto vibrado de los sonidos agudos, lográndose los más graves y nasales o bajos con el cierre de la abertura situada al extremo más próximo a la embocadura. wikipedia
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Gaitas
Instrumento aerófono de ancestro indígena: flauta derecha fabricada a partir del corazón del cardón, con una formación de cera en uno de sus extremos en donde se hace una ranura y se inserta un apéndice cilíndrico, generalmente la base de una pluma de pato, a manera de canal y boquilla, respectivamente, con orificios variables entre 3 y 6 hacia la parte baja del cuerpo.
Se le llama de esta forma por la similitud de su sonido con el de las gaitas de pico de los españoles.
La gaita hembra, de 5 orificios, proporciona la melodía. Su acompañante, a contra punto, la gaita macho, de 2 orificios, cumple una función marcante e imprime una profunda virilidad en el tañido de su lamento.
Un gaitero toca la gaita macho con una mano; con la otra, a la vez con gran destreza, la maraca, y sus labios sólo sueltan la gaita para cantar.
Es un instrumento muy importante en la región caribe porque le da ritmo a la cumbia, así como a los otros ritmos que se pueden interpretar con ellas: El porro, la gaita instrumental y el merengue. wikipediacursos de guitarra bogota
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sábado, 31 de julio de 2010
Chandé (Colombia)
El chandé es un aire musical folclórico originario de la Costa Atlántica Colombiana. Es un ritmo alegre y fiestero que hace parte de la idiosincrasia costeña y de los carnavales. Proviene de la fusión de ritmos indígenas con la música negra africana y se ejecuta de manera tradicional con una tambora, un tambor, flautas de millo o gaitas. Es el ritmo que utiliza la Danza de El Garabato para su acompañamiento en su desfile tradicional anual. De igual manera, otras danzas tradicionales del carnaval, como la del Torito[1], o la del Congo Grande, utilizan este género musical para su acompañamiento. La canción Te olvidé[2] [3]], cantada en ritmo chandé es considerada el himno del carnaval de Barranquilla. Algunas agrupaciones de talla internacional han hecho conocido este ritmo en toda la región de Caribe. wikipedia
Músicos intérpretes
Abril y Soto (2002) mencionan como las "estrellas de la champeta" aquellos artistas que han logrado trascender el entorno local y firmar contratos con los grandes sellos discográficos nacionales e internacionales. Aquí mencionan a “El Sayayín”, “Mr. Black” (Edwin Antequera), “El Afinaito” (Sergio Liñan), “Álvaro El Bárbaro” (Álvaro Zapata), Elio Boom (Francisco Corrales) y Viviano Torres. Este último en su intensión de mejorar la imagen de la palabra champeta, insistentemente oculta su significado de “Aspecto social” y en su discurso no desea que se le asocie con nada más que “música” o “género musical comercial”, ocultando cualquier otro significado como su relación con la "machetilla", con el pasado histórico respecto de la condición étnica económica de los afro-cartageneros, con su relación con los picós, con su condición en las artes plásticas, con el cine popular y con el modo de hablar o de vestir, y lejos de todo esto más bien siempre mantiene asociaciones con los fenómenos místico e icónicos de áfrica y de palenque, y en sus diseños se remite más a lo rastafari que a lo identitario de la ciudad de Cartagena de Indias o de los pueblos de bolívar. El Señor Torres también como fenómeno importante de la champeta agrupó a los primeros cantantes de este género en el grupo musical Anne Swing que tuvo éxito internacionalmente a finales de la década de los 80s, llegando a estar en los Top 40 de los Estados Unidos.[3]
Otros artistas destacados más recientemente son “El Jhonky”(Jhon Einster Gutíerrez Cassianis), que falleció en el año 2005, convirtiéndose en icono del genero y de la cultura, “El Michel” que crea un disco a manera de himno referente al ser champetudo y "Lilibeth" una de las dos únicas cantantes femeninas que ha tenido este genero de champeta en todo su tiempo. wikipedia
jueves, 29 de julio de 2010
Música tejana
La música tejana puede ser categorizada como una conjunción de country, rock, y Rhythm & Blues originada en Texas y ejecutada tanto en español como en inglés, teniendo una vasta variedad de influencias culturales y musicales entre las que se encuentran incluso los ritmos sudamericanos como la cumbia. wikipedia
Salsa
La salsa es un desarrollo del son cubano, al cual se agregó en la estructura melódica y armónica algunos rasgos estilísticos latinoamericanos, especialmente cubanos y puertorriqueños, desarrollada por inmigrantes caribeños en la ciudad de Nueva York hacia inicios de los años 1970. Éste es uno de los ritmos mas populares de los países latinoamericanos incluso de algunos europeos y asiáticos como el Japón donde se formó la internacional "Orquesta de la Luz" con músicos de ése país. wikipedia
Tango
El tango es un género musical y una danza rioplatense, característica de las ciudades de Buenos Aires y Montevideo, de naturaleza netamente urbana y renombre internacional. La música que hoy se llama tango comienza a gestarse a medidados del siglo XIX a partir de otros géneros preexistentes, sobre todo la milonga pero también la habanera, la música de los esclavos africanos (sobre todo el candombe, tanto el afroporteño como el afromontevideano), la música de las zarzuelas españolas, y una variedad de otros géneros folclóricos. A lo largo de su historia, el tango siguió siendo permeable a músicas populares foráneas, como las canzonettas italianas, el foxtrot, el jazz, y más recientemente el rock, así como a la música culta europea de diversas épocas. La mayoría de los tangos suelen tener estructura ternaria, o simplemente binaria, de tema y estribillo (el predominio de esta última se consolidó con el tango-canción, popularizado por Carlos Gardel). Al tango se le conoce como "el dos por cuatro", ya que en sus orígenes se tocaba y escribía en compases binarios de subdivisión binaria (2/4), con acompañamiento parecido al de la habanera (que podría escribirse como una corchea con punto y una semicorchea, seguida de dos corcheas), aunque su ritmo fue evolucionando hacia un acompañamiento en compás cuaternario de subdivisión binaria (es decir, en 4/4, que podría escribirse como cuatro negras, acentuando la primera y la tercera). En cuanto a los instrumentos utilizados para su interpretación y sus combinaciones, también ha variado a lo largo de la historia; parecería ser que la guitarra, el violín, la flauta y el acordeón fueron los instrumentos del tango primitivo. Hacia 1900 se suma el bandoneón, especie de organito con botonera (y no con un teclado, como algunos acordeones) traído al Río de la Plata por los inmigrantes alemanes (que pasaría a ser un ícono del género), el contrabajo, y también el piano, al comenzar a tocarse el tango en locales que pudieran costearse uno. Actualmente el tango puede tocarse con diversas combinaciones de instrumentos, como dúos de guitarra y bandoneón, o de guitarra y piano. Hacia principios del siglo XX surgen las llamadas "orquestas típicas" de tango, cuya formación más característica es: un piano, un contrabajo, cuerdas (dos violines o más, a veces viola y violoncello) y bandoneones (entre dos y cuatro); las orquestas típicas tienen su auge en la década de 1940 y van disminuyendo conjuntamente con la costumbre de bailar el tango. A partir de la década del cincuenta y de allí en adelante se reeditan los formatos más pequeños, como puede verse en las diversas agrupaciones formadas por Astor Piazzolla. El tango más conocido y versionado es La Cumparsita, compuesta por el uruguayo Gerardo Matos Rodríguez. wikipedia
domingo, 18 de julio de 2010
Expresionismo
Expresionismo
Movimiento estético que floreció en Europa, en especial en el área alemana, en el primer cuarto del s. XX (entre 1905 y 1925) y que se caracterizó por la expresividad anímica y subjetiva del arte, como reacción frente a la sensorialidad del impresionismo y el positivismo de fines del siglo XIX. La música expresionista se caracteriza por el intenso empleo del cromatismo y por la tensión expresiva, a menudo teñida de pesimismo. Sus compositores más representativos son los miembros de la llamada escuela de Viena (Schönberg, Berg y Webern).
El Grupo de los Cinco
El Grupo de los Cinco
De este grupo de cinco, sólo dos eran músicos profesionales, César Cui y Mili Balákirev, ambos poco conocidos. Un tercero Aleksandr Borodin es más conocido por su composición En las Estepas de Asia Central y por Bailes Polovtsian de su ópera Príncipe Igor.
Otro componente de este grupo fue Modest Mussorgski quien introduce ritmos del folclore ruso y escalas inusuales procedentes de la música de la iglesia ortodoxa, tan características en sus obras. Entre sus trabajos encontramos dos obras para piano La noche en el Monte Calvo y Cuadros en una exhibición, que posteriormente llamaron la atención a Maurice Ravel quien hizo sendos arreglos orquestales de ambas
El quinto y último miembro del grupo fue Nikolai Rimsky-Korsakov, que fundamentó su trabajo en obras dramáticas de fuerza rítmica y color orquestal. Sus obras más improtantes fueron la ópera El gallo de oro y su famosa suite orquestal Scheherezade. También utiliza elementos de la iglesia rusa en su obertura Gran Pascua Rusa.
Piotr Ilich Tchaikovsky fue otro de los compositores rusos que usaban un tono y color brillantes. Su sexta sinfonía Pathetique es muy conocida, y realizó, también la música de tres famosos ballets: El cascanueces, La Bella Durmiente y El lago de los cisnes. Obras como la obertura de Marcha Slava, y Capricho Italiano ubican definitivamente a Tchaikovsky dentro del nacionalismo. Estas obras han sido programadas tan a menudo que se consideran entre las obras más famosas jamás construidas.
El nacionalismo
Rusia
El nacionalismo es una corriente iniciada en Rusia. Mikhail Glinka famoso por su ópera Una Vida para el Zar alentó a Aleksandr Dargomyzhski para ayudarle a convencer a un grupo de cinco compositores rusos a coordinar sus trabajos en base a la cultura rusa. Más tarde fueron conocidos como El Grupo de los Cinco. La ópera de Dargomyzhski El Convidado de Piedra fue la piedra angular sobre la que se basó esta nueva escuela.
Glinka es comúnmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa. Una vez depurado su estilo de composición en base a sus estudios posteriores, despertó una gran atención tanto en su país como en en extranjero. Sus operas rusas ofrecían una síntesis de composición occidental pero con melodía rusa, mientras que su música orquestal, con una instrumentación excelente, ofrecía una combinación de lo tradicional y lo exótico.
Brahms
De origen alemán, es uno de los compositores más importantes del siglo XIX, cuyas obras combinan lo mejor de los estilos clásico y romántico. Brahms nació en Hamburgo el 7 de mayo de 1833. Después de estudiar violín y violonchelo con su padre, contrabajista del teatro de la ciudad, Brahms se especializó en el piano y comenzó a componer bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen, cuyo conservador gusto musical dejó una profunda huella en él. En 1853 inició una gira de conciertos como acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. Durante esta gira conoció al violinista, también húngaro, Joseph Joachim, quién lo presentó al compositor alemán Robert Schumann. Schumann se quedó tan sorprendido con las composiciones de Brahms, obras aún no editadas, que escribió un apasionado artículo en una revista de la época sobre el joven compositor. Brahms cobró un sincero afecto a Schumann y su mujer, la famosa pianista Clara Josephine Schumann, y esta amistad y el aliento que recibió de ellos le proporcionaron energías para trabajar sin descanso. Muchos biógrafos han escrito sobre la atracción que sentía Brahms por Clara, aunque nunca se la reveló abiertamente, ni siquiera tras la muerte de Schumann en 1856, y jamás se casó.
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Robert Schumann (1810–1856)
compositor alemán del Romanticismo. Desde niño, ya demostraba sus cualidades musicales, y su padre lo apoyó durante su formación procurándole un profesor de piano. La dedicación a su carrera musical se vio truncada por la muerte de su padre, aunque posteriormente reprendería sus estudios. Fue un brillante compositor y crítico musical, lo que le permitió descubrir a Johannes Brahms cuando era un joven de veinte años. En 1839, Robert se casó con Clara Wieck, y tuvieron ocho hijos. Finalmente, durante sus últimos años se acentuaron las depresiones, crisis, intentos de suicidios y periodos de reclusión. Murió de tifus en un sanatorio.
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Chopin
Nació el 1 de marzo de 1810 en Zelazowa Wola, cerca de Varsovia. Hijo de padre francés y madre polaca, comenzó a estudiar piano a los cuatro años. Aprendió la técnica del instrumento prácticamente de forma autodidacta, aunque más tarde estudió armonía y contrapunto en el conservatorio de la capital polaca. También fue precoz como compositor: su primera obra publicada data de 1817. Desde muy joven mantuvo estrecha relación con las altas esferas sociales, ante quienes tocaba en sus reuniones musicales. Tras graduarse con honores en el conservatorio, su padre solicitó una beca del gobierno polaco para que pudiera ampliar su formación en el extranjero, ayuda que le fue denegada. A los 20 años de edad deja su Polonia natal en un viaje de estudios; nunca regresará. Se establece en París, donde morirá el 17 de octubre de 1849, víctima de la tuberculosis. Su obra se caracterizó por el intimismo, la delicadeza, la facilidad melódica, y una revolucionaria técnica de ejecución. El piano fue su instrumento por excelencia, y tuvo gran popularidad e influencia en los compositores de su época.
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Felix Mendelssohn (1809–1847)
- ), compositor alemán, una de las principales figuras de comienzos del romanticismo europeo del siglo XIX.
Nació el 3 de febrero de 1809 en Hamburgo y su verdadero nombre era Jakob Ludwig Felix Mendelssohn-Bartholdy. Nieto del famoso filósofo judío Moses Mendelssohn, adoptó su segundo apellido, Bartholdy, cuando la familia recibió una herencia de un pariente con este apellido, aunque normalmente se le conoce por su primer apellido. En su infancia toda la familia se convirtió al protestantismo. Fue de genio precoz, de niño conoció a Goethe y recibió una cuidada educación. A los 9 años Mendelssohn debutó como pianista y a los 11 años interpretó su primera composición. Compuso la obertura Sueño de una noche de verano cuando tenía 17 años y la obra que contiene la famosa Marcha nupcial 17 años después. Tuvo como profesores al compositor y pianista checo Ignaz Moscheles y al compositor alemán Carl Friedrich Zelter. A Mendelssohn se le atribuye el haber redescubierto la obra de Johann Sebastian Bach, al estrenar en 1829 su Pasión según san Mateo.
piano romántico
- Franz Schubert (1797–1828), compositor austriaco, gran incomprendido en su tiempo, cuyos Lieder (canciones para voz solista y piano basadas en poemas alemanes) están entre las obras maestras de este género, y cuyos trabajos instrumentales son un puente entre el clasicismo y el romanticismo del siglo XIX.
Nació en Lichtenthal, cerca de Viena, el 31 de enero de 1797. Hijo de un párroco maestro de escuela, entró en el coro de niños de la Capilla Imperial en 1808 y comenzó a estudiar en el Konvikt, una escuela para cantantes de la corte, en cuya orquesta también tocaba el violín. Escribió además obras para piano, música sinfónica, religiosa y numerosas óperas. Murió el 29 de octubre de 1828 a los 31 años de edad.
Mannheim
La escuela más importante durante el primer clasicismo fue, sin lugar a dudas, la escuela de Mannheim. En esta ciudad comienza a desarrolarse esta escuela orquestal. A partir de 1740 se establece una orquesta reconocida como la mejor de la época donde acudieron los músicos más sobresalientes de Europa, liderados por el compositor Johann Stamitz y sobre cuyo modelo y composición se establecerían todas las orquestas clásicas del período.
Esta escuela contribuyó a:
- Fijar las formas clásicas y a explorar y desarrollar los efectos orquestales que hasta entonces se habían limitado a las oberturas de las óperas.
- Divide la orquesta en dos partes iguales que dialogan entre sí.
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Beethoven
Nació en Bonn el 16 de diciembre de 1770. Se formó en un ambiente propicio para el desarrollo de sus facultades aunque excesivamente rígido. Sus primeros brotes de talento musical fueron dirigidos de forma tiránica por la disciplina de su padre, que era tenor en la capilla de la corte. En 1789 Beethoven comenzó a trabajar como músico de la corte para mantener a su familia. Sus primeras obras bajo la tutela del compositor alemán Christian Gottlob Neefe, especialmente la cantata fúnebre por la muerte del emperador José II, mostraban ya una gran inteligencia, y se pensó en la posibilidad de que se fuera a Viena para estudiar con Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque la muerte de Mozart en 1791 hizo que estos planes no pudieran realizarse, Beethoven marchó a Viena en el año 1792 para estudiar con el compositor austriaco Joseph Haydn. Beethoven ha sido reconocido tanto por sus principios clásicos como por su libertad de expresión, por lo que se lo sitúa como el último de los clásicos y el primero de los románticos.
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Mozar
Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, y lo bautizaron con el nombre de Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart. Estudió con Leopold Mozart, su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo. Su padre fue gran influencia para su vida musical. Desde pequeño fue niño prodigio y un genio musical. Se dice que era el compositor perfecto, debido a que en sus borradores casi no se detectaba error alguno. Se caracterizaba por su estilo sencillo, claro y equilibrado, aunque sin huir la intensidad emocional. En su enorme producción musical (más de 600 obras, a pesar de su corta vida) destacan, entre muchos otrós géneros musicales, sus conciertos para piano y sus óperas
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Haydn
De origen humilde, nació el 31 de marzo de 1732 en Rohrauan en Keitha, cerca de Viena y murió el 1 de mayo de 1820. Era el mayor de los dos músicos hijos de un fabricante de ruedas. Algunos suponen que era descendiente de croatas. Con ocho años entró en la escuela coral de la Catedral de San Esteban, en Viena, donde recibió su única formación académica. A los 17 años abandonó el coro y pasó varios años trabajando como músico independiente. Estudió los tratados de contrapunto y recibió algunas lecciones del prestigioso maestro de canto y compositor italiano Nicola Porpora. En 1755 trabajó para el barón Karl Josef von Fürnberg, época en que compuso sus primeros cuartetos para cuerda. En 1759 fue nombrado director musical del conde Fernando Maximilian von Morzin. El año 1760 contrajo matrimonio con Maria Anna Keller, unión que fracasó y de la que no hubo descendencia. Desde 1761 hasta su muerte, trabajó al servicio de los príncipes Esterhazy -primero Paul Anton y luego Nikolaus-, donde tuvo a su disposición una de las mejores orquestas de Europa
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sábado, 3 de julio de 2010
Madiumba
La madiumba es un instrumento musical que se usaba en el Congo. Consta de una caja de armonía constituida por un caparazón de tortuga y tiene nueve laminillas que suenan golpeándolas con un pequeño mazo.
También se le denomina marimba y tiene muchas variantes en número y el material con que se construyen las laminillas, así como en la caja de resonancia.
Se trata de una especie de xilófono. wikipedia
Látigo (instrumento)
El látigo es un instrumento musical perteneciente al grupo de percusión, concretamente al de los idiófonos. Consta de dos láminas de madera unidas por una bisagra. Cuando estas dos láminas se entrechocan, producen un sonido similar al de un látigo, de ahí su nombre.
Hay dos tipos de látigos:- los que constan de una bisagra en un extremo, por lo que sólo tienen dos láminas de madera y unos pequeños salientes por donde agarra el percusionista las láminas o unas gomas que se sujetan a la mano hacia la mitad de las tablas y que permite entrechocarlas.
- los que están formados por una lámina de madera más larga que la otra, que se unen mediante una bisagra que posee un muelle, lo que permite tocarlo con una sola mano.
El látigo se utiliza a menudo en bandas y orquestas, además de en el cine para realizar efectos sonoros. wikipedia
La tinya
La tinya es un instrumento aborigen de percusión similar a un tambor, perteneciente a la zona andina americana. Es construida a partir de cueros crudos muy finos, dándole un sonido vibrante y agudo. Tiene un origen místico y era utilizada exclusivamente en rituales espirituales que se celebraban en la zona de los Andes. Conocida también como "Wankara" o "Wankar", este tambor marcó el paso en la batalla entre los Chancas y Pokras. Fundamentalmente es tocado por mujeres con una baqueta (ya que es un instrumento muy liviano y de sonido mediano) en danzas y ceremonias que se relacionan con la vida campesina y la marcación del ganado.
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Kokiriko
El kokiriko (こきりこ?) es un instrumento de percusión idiófono de origen japonés.
Consiste en una serie de tapas pequeñas de madera conectadas entre sí por medio de una correa de cuero, con mangos de madera en cada extremo o con lazos. Produce un sonido quebradizo en efecto de cascada, con el cual se pueden crear varios efectos y ritmos. wikipedia
Khartal
El khartal es un instrumento de percusión de la India. Consiste en un bloque de madera con sonajas. El ejecutante sostiene dos khartales en una sola mano. Estas piezas no están conectadas físicamente, pero se pueden percutir juntas a velocidad rápida para hacer complejos patrones rítmicos.
No se debe confundir este instrumento con los kártal, también de la India. wikipedia
kanjira
La kanjira o ganjira es un tipo de pandereta de la India. Mide entre 17 y 23 cm de diámetro y entre 5 y 10 cm de profundidad. El parche es de piel de lagarto y el marco tiene una ranura que contiene 3 o 4 discos de metal. Es utilizada principalmente en conciertos de música carnática, como apoyo a la mridanga.
G Harishankar es considerado el más grande exponente de kanjira. Otro gran ejecutante es V. Selvaganesh.wikipedia
Instrumentos de raja
Los instrumentos de raja o instrumentos rajados son instrumentos de percusión, por lo general hechos del bambú, que tiene rajas paralelas en un lado y una raja a través del medio, no siempre en el centro. Lenguas de longitud desiguales sobre el tambor de raja producen 2 notas diferentes. Los finales del tambor de raja están cerrados de modo que la cáscara haga la cámara que resuena para las vibraciones creadas golpeando las lenguas con un mazo. Esto es una característica acústica similar al de la guitarra acústica. La cámara que resuena aumenta el volumen del sonido producido por la lengua y presenta el sonido por un puerto abierto. Si la cámara que resuena es el tamaño correcto para el diapasón siendo producido por la lengua, lo que significaq ue tiene el volumen correcto de espacio para completar una onda sonora llena para aquel diapasón particular, así el instrumento será más eficiente y más fuerte.WIKIPEDIA
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Huiringua
La huiringua, kuiringua, kiringua, quiringua o cuiringua es un instrumento de percusión mexicano. Consiste en un tronco de árbol ahuecado con los lados cerrados, con una ranura a largo del instrumento. El armazón se convierte en la cámara de resonancia de las vibraciones de sonido creadas cuando la ranura se golpea con dos mazos de madera. wikipedia
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Huehuetl
El huēhuētl es un instrumento musical de percusión prehispánico, usado por aztecas y otras culturas relacionadas. Consiste en una especie de tambor tubular construido con el tronco de un árbol ahuecado, colocado verticalmente y abierto en su fondo. Este instrumento puede ser percutido a mano o con baquetas de madera. Se sustenta en tres soportes tallados en la base y posee ranuras en la base. La parte superior estaba cubierta con una piel estirada, generalmente de ocelote. Al igual que el teponaxtle, estaba exteriormente grabado con figuras y leyendas alusivas a los ritos a que se destinaba, o bien con figuras humanas, zoomorfas o geométricas. Era de variadas dimensiones.Está hecho a base de uniones de duelas o vigas de madera. Se utiliza en conjunción la caja y la chirimía. En algunas zonas, como Tlaxcala y Puebla, en México, se le llama teponaxtle, aunque organológicamente este término designa a otro tipo de instrumento de percusión. wikipedia
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Hi hat
El hi-hat (o charles, también llamado Charleston) es una de las piezas bases de la batería, consistente en dos platillos de mismo tamaño que se pueden hacer sonar con un pedal.
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El hi-hat consiste en dos platillos, montados sobre un trípode (soporte, pie o pedal de charles), uno encima del otro. Un pedal en la base de éste acciona un mecanismo que los hace chocar. Un tornillo delgado atraviesa, a través de un tubo hueco, ambos platillos, conectándose con un pedal. El platillo superior está conectado con el tornillo por medio de un resorte, mientras que el platillo inferior permanece fijo, descansando sobre el tubo hueco. La altura del platillo superior (posición abierta) es ajustable. También hay otro tipo de soporte de charles que funciona por presión. El tubo se elimina para dar paso a un cable flexible relleno de aire, que permite colocar el pedal y el charles en lugares distintos. Normalmente el charles se acopla a un rack. Esto es muy útil para los bateristas que usan varios charles, ya que permite poner uno en la mano derecha, y siendo casi todos los baterías internacionales diestros, viene muy bien para no cruzar constantemente.
Cuando se presiona el pedal, el platillo superior choca contra el inferior, (hi-hat cerrado). Cuando se libera, el platillo superior vuelve a su posición original, sobre el platillo inferior (hi-hat abierto). Una unidad de tensión controla la cantidad de presión requerida para hacer descender el platillo superior, así como la velocidad con la que éste vuelve a su posición abierta. De esta forma se crean dos tipos de golpe con el pie de hi hat: el golpe abierto y el golpe cerrado. El golpe abierto consiste en hacer chocar ambos platos y automáticamente dejarlos en su posición inicial, de forma que los platillos sigan vibrando y el sonido sea largo. El golpe cerrado o 'chick' que es no es sino cerrar el charles.
Los platillos del charles suelen ser dos platos de 14 pulgadas, siendo el inferior (bottom) más pesado que el superior (top) para soportar el efecto del hi hat.
Algunos bateristas usan el hi hat suelto a una cierta altura, como Lars Ulrich o Nick Menza para poder usar el doble bombo o doble pedal. [1 wikipediacursos de guitarra bogota
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descripcion Hang
Se puede tocar de varias formas: con la punta de los dedos, los pulgares o la palma de la mano, o mezclando las tres a la vez. La mayoría de las veces, el Hang se coloca sobre las piernas del ejecutante.El instrumento se compone de dos hemisferios de metal soldados y los lados se llaman Ding y Gu. El lado Ding contiene 8 tonos musicales en forma de círculos que rodean a un circulo central mayor (el llamado Ding) y que tiene un sonido muy parecido al Gong. El otro lado, el lado Gu, tiene un agujero para la resonancia del sonido que se genera dentro. Es un instrumento muy portátil a pesar de su aparente volumen.Hasta 2009 solamente se habían producido alrededor de 6000 instrumentos, ya que sólo los fabrican sus dos creadores, y actualmente tan solo se fabrican unos 400 al año, siendo la lista de espera de más de un año para obtenerlo.[cita requerida] Además únicamente se venden en la casa matriz en Berna (Suiza), por lo que al precio resultante hay que añadirle el coste de desplazamiento del comprador.wikipedia
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Hang
El Hang es un instrumento musical de percusión creado en los laboratorios pertenecientes a la compañía PANArt, por Felix Rohner y Sabina Schärer en un cantón de Suiza en el año 2000. Hang significa mano en idioma Bernés. Fue el resultado de 25 años de investigación científica con acero y otros instrumentos de percusión resonante por todo el mundo, como el Gong, el Gamelan, el Ghatam, etc. Puede decirse que el Hang es el fructífero resultado de la unión de arte, ciencia y tecnología. wikipedia
Güira
Una güira es un instrumento de percusión de origen Dominicano. Sobre todo se usa en el merengue de la República Dominicana. Allí también se le llama güiri güiri.
La güira se asemeja al güiro que se fabrica de calabaza y que se usa en la música cubana y en la cumbia frecuentemente. El güiro consiste de un cilindro metálico sobre el que se marcan, en uno de sus lados, una serie de estrías profundas. La güira, a diferencia del güiro, está abierto por los dos lados. Tiene un asa para sujetar el instrumento.
Se toca sosteniéndola verticalmente por el asa con la mano. Se rasca con un peine de puas metálicas. wikipedia
Güiro (percusión)
El güiro es un instrumento de percusión. Está clasificado dentro de la división de los idiófonos, en la rama de raspadores. Los diferentes tipos de güiro producen emisión de sonido al raspar un palillo sobre su superficie ranurada. Los güiros tradicionales provienen de calabazo seco como la cabasa y las maracas.El güiro cubano o güiro de salsa se trata de una cáscara de una calabaza con ranuras en paralelo sobre su superficie. Se aguanta en la mano izquierda, utilizando la mano derecha para raspar la superficies con un palito. El güiro cubano es más gordo que el güiro puertorriqueño, y es el estándar en la música de salsa latinoamericana. Los güiros de salsa modernos se hacen de madera, plástico o fibra de vidrio. Se usan también en las orquestas danzoneras de Cuba y México. La puertorriquena Lizjaira Concepción es la máxima exponente del güiro,con su lema internacional, "yo te raspo un buen güiro".El güiro puertorriqueño o güicharo, es un cuerpo hueco alargado (generalmente, de madera o calabazo seco). Su superficie ranurada en paralelo se raspa con tipo de peine o tenedor. Se aguanta en la mano izquierda con el dedo gordo dentro de la apertura en la parte atrás. Con la mano derecha se sostiene el peine usado para rasparlo rítmicamente. wikipedia
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Guacharaca
La guacharaca es un instrumento musical de rascado. Se compone de dos partes: la guacharaca misma, de superficie corrugada, y el peine o trinche, hecho de alambre duro y mango de madera, usado para rascar la superficie corrugada de la guacharaca.
Este instrumento fue inventado por los pueblos originarios americanos nativos de la cultura de Tairona, en la región de la Sierra Nevada de Santa Marta, Colombia, como instrumento para imitar el canto de los pájaros guacharaca (nenecus corocecus). que viene de la guajira.Después de la colonización y debido a la influencia de la cultura española fue adaptado, a mediados del siglo XX, a una nueva forma de fusión musical llamada vallenato. Los músicos que interpretan este instrumento son llamados "guacharaqueros". También es utilizado en la música de carranga. Hoy en dia en el siglo XXl no es muy popular ya que no se utiliza mucho.
Su interior es tallado con forma de canoa. La guacharaca tiene el grosor de un mango de escoba y puede ser tan largo como un violín. De hecho, la guacharaca es facil de usar como consolador y ademas se interpreta en una posición relativamente similar a la postura del violín. wikipedia
Gong Sinfónico
Si queremos hablar del gong sinfónico, indiscutiblemente tendremos que fijarnos en los creadores de éste: Paiste. Esta casa alemana especializada en instrumentos de percusión (en especial metales), hizo en su momento un riguroso estudio de trabajo de campo, contrastando y aprendiendo de las distintas culturas del Sur Este Asiático que usan el gong desde hace 4000 años. No obstante podemos encontrar de distintos tipos según su procedencia.
Al arte de confección de un gong, sabiduría transmitida de generación en generación a lo largo de los tiempos, se le ha atribuido poderes mágicos, y solo algunas familias sabían como hacerlos. Una secreta aleación de metales, junto con multitud de "golpes" (esparcidos de una forma muy concreta alrededor del centro del gong), proveen al gong sinfónico de posibilidades ilimitadas, por su especial timbre armónico, característica sensibilidad de vibración, al mismo tiempo que un fuerte y poderoso sonido.
Su uso ha ido ritualizado desde los inicios, hasta hoy en día: Utilizado para ritos en momentos de traspaso como funerales o celebraciones, teatro, música, con un fuerte significando para las culturas asiáticas, dónde hoy en día la alta cultura lo utiliza cómo instrumento de orquestra.
Actualmente también se utiliza como instrumento en el campo de la musicoterápia (Joel Olivé, Cataluña [1]), por el fuerte efecto que ejerce sobre la mente y el cuerpo. En la metodología desarrollada por el Dr. Psiquiatra alemán Peter Hess, El Ritual del Gong, el gong, junto con el monocordio, la tampura, la tabla, el didjeridú, y la percusión oceánica, nos permite acceder a niveles profundos de la conciencia, reviviendo recuerdos asociados con las matrices perinatales: Primeras fases de la existencia en el utero materno y proceso de parto. Es un instrumento muy útil en el campo de la meditación, ya que su sonido provoca un estado modificado de la conciencia instantáneo; no obstante, por esta misma razón, y para que el uso sea terapéutico, deberá ser usado en un marco controlado, con finalidades terapéuticas, y que permita integrar la experiencia vivida.
Para escucharlo, y obtener más información (aplicaciones terapeuticas, conciertos, etc.) puedes ir aquí: [2] wikipedia
Historia del gong
Tiene origen oriental. En Occidente, fue empleado, por primera vez, en Francia en 1791 por François-Joseph Gossec, en los funerales de Mara´ beau (Honore Riqueti, Conde de Marabeau).
Más adelante, en 1804, sonó en el teatro de la Ópera de París, durante la representación de Ossian de
El gong también se usó durante los funerales de Napoleón I, el 15 de diciembre de 1840. wikipedia
Gong
El gong es un instrumento de percusión. Se trata de un gran disco metálico (habitualmente, de bronce) con los bordes curvados (generalmente hacia adentro), que se percute con un mazo. El Gongos en general, se suspende verticalmente de un soporte.
La mayoría tienen una elevación en el centro, situando el punto en que se ha de golpear y será el punto de origen de la vibración que genera el sonido, por lo general, grave y lúgubre. No obstante, a pesar de ser un instrumento relativamente grande, tiene muchas posibilidades de matices: desde un pianísimo a un fortísimo.
El gong puede estar afinado o no, por lo que, puede generar tanto sonidos determinados como indeterminado.
Glockenspiel
Al glockenspiel se le llama también lira y, durante mucho tiempo fue conocido como juego de timbres o armónica de metal.
Se trata de un instrumento de percusión formado por láminas de metal, por tanto, metalófono. Físicamente, es muy parecido al xilófono. El glockenspiel está formado por láminas metálicas afinadas que son golpeadas con baquetas duras. A diferencia del vibráfono y la marimba, que son de la misma familia, no hay asociado un tubo resonador a cada lámina.
Su sonoridad timbríca es muy similar a la del triángulo, pero, a diferencia de éste, el glockenspiel es un instrumento de sonido determinado, lo que significa que es capaz de producir notas de una determinada altura.
El glockenspiel de orquesta es tocado en forma horizontal con dos baquetas. Su extensión sonora comprende dos octavas y media, desde un LA grave al do8, aunque algunas versiones incorporan tres notas más graves partiendo desde FA.
Algunas bandas de desfile, militares, melódicas y rítmicas, tanto escolares como profesionales, utilizan la versión portátil, que es la que se conoce comúnmente como campanólogo, o también "lira" por tener el bastidor, que cumple además la función de resonador, la forma de la lira de cuerdas, más conocida por ser más antigua.
A veces, se toca la lira portátil con una sola baqueta si la otra mano está ocupada sujetando el instrumento.
Otras veces, se busca poder moverse con libertad y tocar con las dos manos. Así, la lira puede ir suspendida sobre un portabandera que es sostenido por el ejecutante en sus hombros, de manera que el instrumento queda casi vertical a la altura de la cabeza, o bien puede ir casi horizontal a la altura del talle.
El instrumento que más se asemeja al glockenspiel y a la vez desciende de él es la celesta, cuyas láminas, también metálicas, van montadas sobre soportes de madera que amplifican el sonido; tiene más forma de piano y cuenta con un teclado para su fácil ejecución. wikipedia
Ghatam
El ghatam es un instrumento de percusión, usado en la música carnática de la India. Es un pote de barro; el ejecutante usa los dedos, cantos y palmas de las manos, para percutir diferentes áreas de la superficie del pote y obtener diferentes tonos y timbres. Un sonido bajo aireoso, llamado gumki, es creado percutiendo la boca del pote con la mano abierta. El ghatam usualmente acompaña al mridanga. wikipedia
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Garrahand
Origen
El garrahand fue creado en la Argentina, por los músicos Ary Lacanna y Federico Parra. Quisieron hacer un instrumento que fuera similar al hang, uno de los pocos de percusión en el que se pueden tocar notas y toques. Este invento es una cruza de garrafa con lengüetas en su parte superior. La idea surgió por la dificultad de acceder al hang, que se compra exclusivamente por correo a Suiza, además de pedirlo mediante una carta explicativa.
Diseño
El garrahand es de acero. Sus creadores cambiaron el tamaño, la afinación, la forma e inventaron un micrófono especial que no reproduce el sonido de afuera, sólo el del instrumento, para que pudiera ser amplificado sin que se sumara el sonido de otros instrumentos que estuvieran cerca.
El garrahand es electroacústico, en sus versiones amplificada para tocar en vivo, y la hippie, para ser tocado entre las piernas, sin cables.[1] Con el garrahand se puede tener varias afinaciones. wikipedia
Gamelan
El Gamelan es un conjunto instrumental indonesio tradicional, especialmente en Bali y Java.
- Los instrumentos utilizados son metalófono, xilófono, tambores y gongs.
- No tienen una entonación exacta y se utilizan diversos sistemas de entonación, como el llamado slendro con 5 tonos diferentes o el pelog con 7 tonos.
- Hay dos estilos de interpretar: el suave con un flujo de sonido intemporal asociado con el canto y el Alús como danza y el fuerte con la danza Gaga y dirigido por la percusión. wikipedia
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Fou
l Fou (缶 o 缻) es un instrumento de percusión de música tradicional china hecho de arcilla y bronce. Su origen data de la Dinastía Xia o Shang (ss. XXI - XI AEC)Su aparición pública masiva se ha realizado durante la Ceremonia de Inauguración de los Juegos Olímpicos de Pekín 2008, el 8 de agosto, cuando los percusionistas realizaron una presentación sincronizada utilizando este instrumento. Los de la inauguración tenían un marco luminoso compuesto por leds rodeando cada instrumento, con lo que producían tanto efecto musical como de display, con lo que se realizaban caracteres luminosos.wikipedia
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Técnica del dunun
Hay dos estilos de primarios para dununs. El estilo tradicional tiene cada ejecutante que usa un tambor solo descansa sobre su lado, en el suelo o sobre un soporte, y el golpe de la cabeza se da con un palo y el golpe en una campana montada sobre la cima se da con el otro. Una melodía es creada a través de la interacción de tres dununs. Para otro estilo conocido como el estilo de ballet clásico es usado en los Ballets clásicos Nacionales, en los que un músico tiene al mando tres dununs que soportan en el suelo. El juego como esto permite un arreglo más complejo para el baile.
Hay amplias variaciones en todas partes de África Occidental. En Malí ellos a veces son tocados con solamente un dunun y una campana que es sostenida en la mano. En algunas regiones de Guinea el dunun se toca sin campanas, o sólo se tocan dos dunun. En Hamanah se tocan los tres dunun con campanas. La influencia de Mamady Keïta, Famoudou Konaté, Mohamed Diaby, Bolokada Conde, y otros de Guinea ha contribuido a la extensión del estilo de utilizar tres dunun. wikipedia
Historia del dunun
El tambor dundun o Iya Ilu (tambor madre) es un instrumento popular en la música yoruba de Nigeria. Aunque, otras áreas de África Occidental lo llaman y pronuncian de manera diferente (por ejemplo dunun). Ambos son instrumentos principalmente de la región que incluye Malí, Guinea, Senegal, Burquina Faso y Costa de Marfil, todos con poblaciones significativas Mandé. El origen del dundun podría ser remontado a miles de años cuando los yorubas vivieron en la península árabe. wikipedia
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Estructura del dunun
El dunun es un doble tambor encabezado y cilíndrico, típicamente hecho de una cáscara de madera (aunque se utilizan metal y cáscaras de fibra de vidrio) y cabezas de cuero (aunque, unos tengan cabezas de piel de cabra). Los parches se agarran con la cuerda y a menudo con anillos de acero. wikipedia
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